摘要：很多观众形容屏幕里冒出的馒头脸、假鼻梁，笑时眼睛不动，怒时没有纹路，戏里的人物还在说话，观众的心思已经跑去琢磨玻尿酸和拉皮。

2026年1月，央视八套重播《加油！

小茉》，讨论焦点落在演员的脸上。

很多观众形容屏幕里冒出的馒头脸、假鼻梁，笑时眼睛不动，怒时没有纹路，戏里的人物还在说话，观众的心思已经跑去琢磨玻尿酸和拉皮。

王茜饰演的豪门婆婆和剧里那位大伯母一出场，弹幕涌出一片“苹果肌鼓、表情硬”的评价，戏没崩，注意力却偏了。

有人盯着脸的细节看，情绪没办法跟角色一起走，越看越出戏。

这部剧在2016年拍摄，导演是麦贯之，做过《仙剑奇侠传》，剧本打磨十年，故事讲一个农村姑娘嫁进豪门之后的生存和成长。

主题偏现实，节奏平稳，人物关系层层推进，颇有央视惯常的家国情怀和生活质感。

人物设定完整，邱小茉的困境、家族里的算盘、婚姻里的掰扯都写得清楚，原本是靠人物推动剧情，不靠噱头取胜的类型。

观众的视线被面部状态抢走，角色的力量就立不起来，演技像被遮住，台词陷在“嘴会动、脸不动”的怪感里。

屏幕上的脸呈现出一个共同特征，苹果肌过度饱满，鼻梁轮廓生硬，笑时眼角没有细纹，眼皮像被绷住，怒时眉间不见起伏。

镜头是很诚实的工具，近景抓的就是眼尾、法令纹、嘴角那一点点暗影，演员的微表情在这些地方传递情绪。

脸部填充后皮下层更紧致，镜头里就容易出现“皮动、肌不动”的视觉效果，观众看到的不是情绪流动，而是一张随时回到原位的面具。

王茜的气场原本很足，镜头里却像被一层塑形包住，厉害的婆婆没有了面部的锋利感，台词有力，情绪不落地。

大伯母原本该有的阴狠和回旋，被一个过于尖削的下颌线抵消，反派张力松掉，戏里的对峙场面只剩声音。

类似的讨论不只停在这一部剧的两个角色，评论区里有人把目光延伸到其他演员。

有人提到毛晓彤，早年演《甄嬛传》里的瑛贵人时眼神灵动，现在笑起来更紧，像提线木偶；有人提到牛莉，从春晚舞台的熟脸到脸型越来越尖的代表；也有人说闫妮近年在剧里眼皮绷住，说话时嘴角幅度很小。

这些都是观众的观感，反映的不是演员是否会演，而是脸作为表演载体出现了阻力。

表演需要可感的细节，微表情越少，情绪越不容易穿过屏幕抵达用户。

戏剧表演靠三样东西，眼神、嘴角、呼吸。

眼神要有水波，嘴角要有轻微的抖动，呼吸要带着起伏的节奏，这些都在脸上表现。

高清镜头把每条细纹都拉近，再加上现在的灯光更平、更亮，任何失真都看得清清楚楚。

脸部改造做太满，皮肤的厚度和张力改变，镜头里的细纹被抹平，肌肉牵拉的路径变短，小范围的动作被折损，观众就只看到一张一直保持在“标准笑”和“标准怒”的脸。

台词再有劲，人物再有层次，微表情不能跟上，情绪就挂在空里，信任感断掉，人物身份和命运很难进入人心。

短视频平台的算法喜欢推高颅顶、小脸、五官对称的脸型，这是数据层面的选择。

留存率、完播率、点赞量和转发量都对这种脸型更友好，演员看到数据就容易心动，认为观众只认这种长相。

行业里有人把“镜头友好”理解成“标准模板”，把“修饰”做成“重塑”。

平台把这种审美放大，剧组在选角时就更容易偏向“网红脸”，再加上后期的磨皮和滤镜，审美被统一起来。

主流频道在这种趋势面前若是不设限，选用这类面孔进入正剧，传出的信号就很明显：想要进入更大的平台，先让脸合格。

这句话对年轻演员影响很大，足以改变他们对职业工具的认识。

有些演员的脸不在所谓的完美范式里，屏幕表现却更强。

周迅的鼻梁不高，情绪到眼里时像水雾一样漫开；姚晨的脸型偏宽，演普通人的时候更有烟火气，眉眼里的疲惫和坚韧都看得到；任素汐常被说“不够漂亮”，坐在那里就是一个真实的人。

这些脸能装下委屈、愤怒和犹豫，镜头里皱纹像故事本身，眼袋像生活压出的痕迹。

《狂飙》里高启强眼角的纹路，观众会反复截图讨论；《漫长的季节》里范伟的眼袋，观众读到的是那个角色的中年困顿。

观众不是怕演员老，是怕看到假的东西。

三代人一起看电视剧，需要能代入的角色，而不是滤镜磨皮造出来的影子。

为什么会出现“演技被脸抢戏”的感觉，根源在表演的工作方式。

电影和电视剧的情绪传输，是一条从眼神到摄像机再到观众的直线，中间靠的是面部肌肉和皮肤的协同动作。

填充和拉提做得太满，皮肤和肌肉的合作变差，面部的微小震动幅度降低，镜头就读不到变化。

后期剪辑和配音没办法修复这种缺失，化妆也只能在光泽和阴影上做文章，无法把“会动的脸”重新生出来。

演员本来是用脸这台仪器工作，仪器一被改装，灵敏度下降，工作效率就受影响。

观众不信，就不会跟角色一起走；观众信了，才会在人物遭遇里有情绪反应，愿意把时间交给故事。

央视是全国观众的公共平台，角色不仅是播放内容，更是引导审美的“风向杆”。

观众对央视的期待，是稳重、真诚、有质量的作品，是一套能让人相信的审美标准。

重播一部制作扎实的老剧，本是给观众一个再看一次人物和故事的机会。

演员面部的不自然夺走了注意力，观众从人物转向脸，平台和作品之间的信任链被削弱。

平台要考虑的不只是收视，更是长期的审美口碑。

选角环节如果不把“脸的可动性”当成指标，后面所有环节都要帮忙“遮”，遮不住，就变成现在这样的讨论。

解决这个问题需要从剧组的流程入手。

选角时做屏幕测试，不只看长相，还要看表情的范围，把近景里的眉眼、嘴角动作作为评估项。

拍摄前安排足够的休整期，让脸部状态稳定，不在面部剧烈变化时进组。

造型更重视质地，而不是把皮肤磨成一张统一的亮面，灯光要留暗部，镜头要选择对皮肤更宽容的参数，把真实纹理保留。

后期少用磨皮和过度滤镜，保留细节，让观众在每一次眨眼和轻微的抿嘴里读到情绪。

对演员来说，更要把脸当成专业工具，任何修饰都要围绕“能演”这个目标，宁愿不完美，也要可动、可读。

平台也可以给出明确的审美引导。

把“多样面孔”视为内容优势，让普通脸、年长脸、有生活痕迹的脸进入主角，给观众更多可选的情感通道。

奖项评选更看重表演本身，把微表情的质量和角色可信度列为参考点。

宣传报道里多谈角色和表演的用力点，少把焦点放在脸型和皮肤状态。

开设专题，把“镜头里的表演”讲清楚，让行业和观众都知道好演技的结构在哪里。

多样的面孔和真实的表演，是内容的耐久力，不是短期的流量。

观众的反馈是这个链条里的最后一环，也是最有力量的一环。

看到不自然的脸，就直说不喜欢；看到有力的表演，就点名夸赞。

讨论人物的选择、对话的力度、场景里的动作，把注意力往故事里拉，把评价变成内容的方向盘。

平台和剧组会看这些信号，演员也会看，审美是在反馈里被塑造的。

观众越坚持真实，创作端越难走捷径，市场慢慢就会把“会演”放回中心。

从投入产出看，网红脸带来的短期吸睛效应抵不过内容口碑的长期价值。

央视的平台价值是可信和耐看，一张“看不出情绪”的脸会让这份价值打折。

品牌靠的是信任，信任一旦出现裂缝，观众就会分心，收视就会抖。

脸的统一化是流量思路，内容的生命力是人物思路，两者不在同一条线上。

剧组把人物立起来，平台把审美守住，观众把反馈给出来，行业才能把戏的重心拉回到“演”和“写”。

表演是把人心里的事说出来，脸是把情绪送到观众眼前的工具。

演员要保护这件工具，让它能动、能皱、能累，能把委屈、愤怒和犹豫都装得下。

平台要守住审美底线，让真实的脸和真实的情绪在屏幕上自然呼吸。

行业要把“面部诚实”当成标准，把“镜头好看”变成“观众能信”。

观众会越来越挑真，剧组会越来越重视表情的质量，医疗美容会往功能和安全靠拢，选角会更看重微表情的能力，后续的正剧会在面孔多样和表演密度上给出更好的答案。

演员的脸不是一次性的东西，戏是演给人看的，镜头记得的是情绪的细水长流，记得的是一张会说话的脸。

来源：想喝小芋圆奶茶